Sigo con mi semana rockera y sin moverme de isla. Me dejé engatusar por el bajo de Phil Lynott, y así me ha ido. Me he visto obligado a escuchar gran parte de su discografía de nuevo, de la cual rescato (como no podría ser de otra manera) “Jailbreak“. Además de contar con la canción más famosa de Thin Lizzy, contiene claros ejemplos de la guerra musical de las dos guitarras melódicas que componian este grupo. La inclusión de dos guitarras no representaba en si misma una novedad, pero si supuso un excelente uso de ellas, como nadie antes lo había conseguido.

El carisma del grupo (al igual que en “Red Sahdow“), lo ponía el bajista; Phil Lynott. Éste falleció en 1986 como mueren las estrellas del rock, por el abuso de las drogas y el acohol. Un gran número de guitarristas pasaron por las filas de este cuarteto (quinteto) irlandés, entre ellos el genial Gary Moore. A pesar de ello, el sonido que todos recordamos lo imprimieron Scott Gorham y Brian Robertson, acompañando a Brian Downey a la batería, además del irreverente bajo de Phil.

Podéis disfrutar con “Jaiblreak” o “Cowboy song“, pero seguro que os apetece volver a escuchar “The boys are back in town“. Una de esas canciones que mejoran con el paso de los años.

Fuente: Una actitud ignominiosa hacia el sexo contrario. Bueno, hacia casi todo él.
Saber más sobre Thin Lizzy (vía Wikipedia).
Saber más sobre Thin Lizzy.

Esta ha sido una semana muy rockera. Mientras me encerraba en mi cueva (en un alarde de originalidad) para preparar clases (sobre todo prácticas), he estado rebuscando en la sección “Rock” de mi Mediamonkey. Recuerdo que un troll de nombre escueto me dijo algún tiempo que escuchara “The Answer“. Acierto.

Estos cuatro irlandeses hacen un hard rock a la antigua usanza y con una composición clásica donde las haya: una guitarra, un bajo y una bateria. El que sobra hace las voces. Poseen una estética mezcla de los rockeros-heavy de principios de los 80, con toques de fiebre del sábado noche. Eso sí, actualizado a los perdidos tiempos que corren hoy en día. A pesar de eso, muy decente, tanto como su música. Una increíble sorpresa.

Cuentan con una escueta discografía, pero con el estilo hard clásico sin ningún tipo de mezcla con otros estilos, tan solo hard rock. Gracias a esa ausencia, escuchas el disco con la familiaridad de haberlo escuchado. Sensación de deja-vu musical. Agradable.

Fuente: iFeo y sus recomedaciones.
Saber más sobre “The Answer“.
Saber más sobre “The Answer” (vía Wikipedia).

Vamos a dar una vuelta por lo grandes. Y hablo en plural porque aunque lleve el nombre del genial Miles Davis, para este disco escogió a virtuosos del instrumento. Seguro que os suena el saxo tenor de Jhon Coltrane, el piano de Bill Evans o el contrabajo de Paul Chambers. Y es que buenos ingredientes no te aseguran un buen plato, pero en esta ocasión sí ha sido así.

Probablemente “Kind of Blue” ha sido uno de los discos más destacados de la extensa discografía del señor Davis, y seguro uno de los más recurridos a la hora de escoger alguna de sus obras. La razón es obvia tanto musical como históricamente. Huir del bop y hard bop en el que hasta la fecha se habían instalado en dos sesiones de improvisación; de este modo surgió “Kind of Blue“. Atención a “So what!“. Se adentró en la neonata tendencia del “modal jazz” rompiendo con su tendencia musical, como nos tenía acostumbrado. Genial.

Por estas fechas el señor Charles Migus sorprendía con su “Blues & roots“, pero esa es otra historia.

Fuente: Tiempos difíciles para las relaciones personales.
Saber más sobre “Kind of blue” (vía Wikipedia).

El pasado viernes fui a ver a un grupo que tan sólo escuchaba en el coche de un alicantino “perilludo”. No tuvo que decírmelo dos veces para aceptar música en directo, aunque casi me vence el cansancio (un que ya esta viejo). “Mama Ladilla” son tres madrileños que desde 1994 llevan haciendo un rock escatológico sumamente divertido. Manejan una estructura muy “zetazetatopera”, si se me permite el palabro, compuesta por una bateria, bajo y guitarra. He leído que hacen punk-rock y hasta rock progresivo, por lo poco que he escuchado, ni lo uno ni lo otro. Se manejan a las mil maravillas en un rock virtuoso y de garaje muy de mi gusto.

Las letras no acompañan a una interpretación tan seria. Contrastan con la seriedad de sus acordes y se centran en un humor, algunas veces escatológico, que supo arrancarme más de una sonrisa el pasado viernes (aunque el sonido de la Sala Estereo dejara mucho que desear).

“Ya me dirás quienes son, feo. Es que no concozco a ninguno del grupo“. Esta acertadísima frase la solté mientras Juan Abarca (guitarra y voz) pasaba justo delante de nosotros. Confío en que no me oyera . Oportuno como pocos.

En su web podréis descargaros un disco de versiones escatológicas de canciones conocidísimas, como esta, “Devórate otra hez”:

Buen descubrimiento. Gracias feo.

EDITADO

Incluyo la canción que me gustó el dia del concierto. Una graciosa sucesión de latinismos que llamó mi atención denominada “Cunnilingus post mortem” (gracias de nuevo feo).

Fuente: Era el único con camisa de los cien asistentes al concierto…
Saber más sobre Mamá Ladilla.

Recien parido “En mi hambre mando yo” y en plena campaña publicitaria de su último trabajo, he leído unas declaraciones de uno de los miembros de la banda:

Nosotros hacemos música para que la gente la escuche, no para que la compre.

David Díaz (guitarra de Marea).

Estas palabras son de Kolibrí en un estrevista respondiendo a la pregunta “¿cual es vuestra postura con respecto a las descargas ilegales?“. La respuesta es de lo más acertada, aunque la pregunta no es del todo corrrecta. Recordemos que no existen las descargas “ilegales” si no existe ánimo de lucro. Que los medios de comunicación repitan una mentira mil veces no la convierte en verdad.

En lo particular, Marea es un claro ejemplo de cómo las descargas les han beneficiado. Un viejo amigo me grabó una cinta de casete con el disco “Revolcón“. El que fuera en casete ya entrados en el año 2001 fue por lo vetusto de mi Clio, el cual no aceptaba discos compactos. Poco después descubrí (vía eMule) “Besos de perro” y me catapultó al fanatismo.

Hagamos cuentas. Me hubiera comprado estos dos discos, seguro, y muy posiblemente los tres siguientes. A razón de 18 euros por disco, 90 euros. Gracias a escuchar “Besos de perro” me entraron unas enormes ganas de verlos en directo. Hasta tres veces he ido, y seguiré yendo. Las entradas para un concierto son algo más caras que los discos, pero redondearemos a 2o euros (con mucha suerte y subvención) por unidad: 60 euros.

Por cada disco vendido a través de una tienda, el grupo percibe entre un 8 y un 3 % del precio que pagas por él en concepto de royalty. A esto hay que añadir lo que se embolsan en concepto de derechos de autor, un 4 % (siempre y cuando sean compositores además de intérpretes). Estos derechos de autor son manejados mediante las famosas entidades de gestión, las cuales “devuelven” a los autores esa cantidad de dinero, previo pago de los gastos de gestión (¿?), en torno a un 2% de lo recaudado. El resto del precio del disco se lo reparten discográfica, tienda, distribución, fabricación e impuestos. Por lo tanto, cada grupo recibe un máximo de un 10% (royaltys y derechos de autor) si son compositores y además poseen una posición dominante en su discográfica y pueden exigir un 8%, cosa al alcance de muy pocos.

Por cada concierto la banda recibe entre el 70 y el 50 % del precio de la entrada. También depende de muchos factores que os podéis imaginar. A este porcentaje hay que descontar el 5% que algunas discográficas exigen a sus grupos en concepto de caché del grupo. Imaginemos que la discográfica de Marea (¡vaya por Dios!) le exige este impuesto de supervivencia, e imaginemos además que el grupo recibe tan sólo el 50% del precio de la entrada; en total 45 %.

Conclusión: cinco discos comprados 9 euros para la banda, en el mejor de los casos. Tres conciertos (y los que pueda) 27 euros para la banda, en el peor de los casos.

Yo creo que las cuentas están claras. ¿La música esta muriendo?, nunca he tenido ante mí una oferta musical tan amplia. Más bien diremos que esta muriendo un modelo caduco basado en enriquecer a muchos con el trabajo de unos pocos, a través de vender “trozos de plástico”.

Seguiré descargando vuestra música de forma legal y seguiré yendo a vuestros conciertos (tal vez compre el vinilo).

PD: Hay que tener en cuenta que la autopromoción o discográficas pequeñas los porcentajes de beneficios aumentan con la venta de discos, ya que existen menos intermendiarios. Pero en estos casos los beneficios por concierto también son más altos para la banda, precisamente por el mismo motivo.

PD2: El próximo día 6 de octubre (jueves) estarán firmando discos en la FNAC (Alicante) a eso de las 18:00 horas.

Fuente: A guanyar diners, on estan? , on estan?, a guanyar diners…(grande Monleón)
Saber más sobre Marea.
Saber más sobre “La tarta de los CD”.
Artículo “Los conciertos salvan a la industria musical”.

Desde que empecé a escuchar jazz fusion me ha entusianmado el poder experimentar toda clase de mezclas de estilos muy variopintos. Pensé que este gusto por la mezcla se extendería hasta el infinito, pero el pasado sábado me di de bruces contra el muro de la electrónica. Y es que hay sitios dónde Mickey Mouse no puede aparecer pintado y hay estilos que deben tener una orden de alejamiento. Ese es el caso de la música de orquesta sinfónica y la electrónica.

El sábado estaba muy ilusionado ya que iba a poder contemplar a la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española en directo, y desde la segunda fila. Aprendí sobremanera. Disfruté del pizzcato. Me hipnoticé con el movimiento de los arcos sobre violines, violas y chelos. Disfruté de cada uno de los “batutazos” del director. Descubrí mi interés por las violinistas. Todo fue estupendo, salvo la partitura.

No he sido capaz de encontrar el podcast del concierto, ya que fue retransmitido por RNE, me he perdido entre tanto contenido de la web. Las obras interpretadas fueron “Grupos tímbricos” de Gerardo Gombau, y “Clamor II” de Gonzalo de Olavide. Ninguna de las dos cubrió mis espectativas. No por no poseer calidad o una incorrecta interpretación, si no porque mis gustos son muy “clásicos“. La falta de melodía e inconexión de la primera me dejó frio. Además descubrí que la mezcla de electrónica y orquesta de la segunda, no me atrae nada en absoluto.

Por cierto, el marco sí era incomparable. A ver si damos un buen uso a tan magnífica infraestructura (Auditorio de la Diputación de Alicante).

Excepcional continente para un incomprendido contenido.

Fuente: Ahora, a aprender solfeo.
Saber más sobre el Festival de Música de Alicante.
Saber más sobre la Orquesta Sinfónica de RTVE.

Sin ninguna prisa me estoy tomando este tema. Malo.

He actualizado la lista añadiendo el penúltimo disco del israelita Avishai Cohen: “Aurora“, incluyendo con él, un poco de actualidad a la lista.

Podría invertir ( otra vez ) muchas palabras para describir esta maravilla musical, pero os voy a ahorrar el suplicio resumiéndolo: “Alon Basela“, “Alfonsina y el mar” y “Leolam“. Fusión con ritmos de oriente (el próximo).

Tremendo.

Fuente: ya queda menos…

No hace mucho me acordé que tenía el equipo de música de mi hermana en el trastero. Lo encontré junto con dos toneladas (son valores aproximados) de polvo y algunos desperfectos. Me atrajo la idea de que tenía tocadiscos y que recordaba que seguía funcionando. Así fue.

Se trata de un AIOSTAY modelo CMP 600 que mis padres nos regalaron allá por 1989 ( si la memoria de mi madre no falla ). No lo intentéis, ni Google posee información sobre él. Una vez limpio y casi restaurado ( la pletina de cassette no funciona ), lo he puesto en el salón conectado a la entrada de audio del Media Center. No os hacéis una idea de los recuerdos que me ha traido escuchar el roce de la aguja contra los surcos del vinilo. Ese sonido tan característico que sacrifiqué en pos de uno más limpio y versátil, ha vuelto a sonar.

Ahora me queda una ardua tarea autoimpuesta. Esa es la de recolectar una buena colección de vinilos, un par de agujas de recambio y un limpiador de discos ( aquellos que parecían una escoba pequeña ). Empezaré a recorrer tiendas de segunda mano a ver si hay suerte. No se escuchará mejor que un Compact Disc de policarbonato y aluminio, pero su sonido posee un encanto que todo buen melómano sabe apreciar.

Fuente: Una adjudicación desesperante ( como cada año ).

Más vale tarde que nunca.

El postre de tan opíparo banquete del pasado mes, corrió a cargo de Lucky Peterson. Este “gran hermano” (literal lo de gran) se metió en el bolsillo al público con las primeras notas de su hammond. Obligó a los presentes a seguir el ritmo blusero de doce compases que marcaba con su órgano. Prometía.

Al mando de seis cuerdas bluseras no desmereció nada. Decidió, durante una de sus canciones, mezclarse con el público. Carisma. Consiguió escalar por la grada de aquel teatro y sentarse, algo cansado, junto a un pobre espectador que disfrutó de las notas de su guitarra muy de cerca. Genial. Lo mejor de todo era la cascada de voz que era capaz de emitir. Sin ayuda electrónica alguna se le oía cantar sin mucho problema, a pesar del continuo rumor que se montó cuando descendió del escenario.

Mientras todos estamos pendientes, apareció en el escenario otro portento (por fuerza, no por técnica) que, como si de un desafío se tratara, prescindió de la ayuda de micrófonos y altavoces y se enzarzó en un duelo vocal cuanto menos, poderoso. Increíble.

Por sacar un pero (palabra mas fea esa, ¿no?); el bajista era, de lejos, el poseedor de menos carisma de la historia de la música. Además, nunca tuvimos claro si era un contable o bajista. Bromas aparte, fue correcto permitiendo que Lucky se luciera con su guitarra.

En definitiva, un gran postre para un segundo plato memorable.

Fuente: Y ahora, a por la clásica…
Saber más sobre Lucky Peterson (vía Wikipedia).
Saber más sobre Hammond (vía Wikipedia too).

No se entiende lo de esta japonesa hasta que no la ves en directo. Puedes sorprendente por el buen hacer en sus composiciones al escuchar cualquiera de sus discos, pero hasta que no ves la energía que imprime en sus directos no te haces una idea de lo que es capaz. Con algo más de metro y medio consigue proyectar encima de su piano una cantidad de energía que no entiendes de dónde sale. Impresionante.

Hiromi Uehara está inmersa en un nuevo proyecto (su cuarto si no cuento mal) muy bién acompañada del neoyorquino Anthony Jackson al bajo y del londinense Simon Philips a la batería. Confío que se trate de un proyecto prolijo, ya que lo que pudimos ver el sábado fue sencillamente alucinante. Un bajo maduro, correcto, sobrio y contundente cuando hay que serlo. Ciñéndose perfectamente a las estructuras que marcaba Hiromi, pero sin perderse en ellas y quedarse como un mero acompañamiento. Si excelente fue el bajo, increible fue la interpretación del baterista. Hacía mucho tiempo (quizás desde Esteve Pí o Roy Haynes) que no asistía a un solo tan melodioso como el que tuve oportunidad de presenciar. Largo, rítmico, limpio y sin perderse entre los platillos. Terrible. En el currículum de Simon; The Who, Mike Oldfield, Jordan Rudness (Dream Theader), Stanley Clarke, Gary Moore y hasta los Judas, entre otros. De esto estoy hablando:

Presentaban nuevo disco “Voice“, el cual podéis escuchar gracias a la magia del “tiburón con ritmo” (¡ojo con la pieza “Voice“!).

Pero íbamos a ver a Hiromi Uehara, ¡y como la vimos!. Cuando salió a hacer el bis (nunca entenderé estas costumbres “conciertiles”), se acompañó de una cámara de fotos para retratar al público. No se cansó de hacer fotografías al respetable, que por otra parte cumplió con las espectativas llenando a reventar el auditorio. Encantada no paraba de mostrar su aprobación a un público entregado levantando el pulgar entre canción y canción. Cómplice. Grande, a pesar de su corta estatura.

Como anécdota decir que los músicos que acompañan a Hiromi en esta nueva andadura, están a su altura. Literalmente .

El postre corrió a cargo de Lucky Peterson, un desbordante bluesman.

Fuente: ¡Que maten al del ramo de flores!.
Saber más sobre Hiromi Uehara.
Saber más sobre Anthony Jackson (vía Wikipedia).
Saber más sobre Simon Philips (vía Wikipedia).